The Music From Drawing Restraint 9

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Un disco para escuchar con paciencia

Bjork dio un paso más allá en la creatividad de su música con "Medúlla", su quinto álbum de estudio. Dicho trabajo continuaba la obsesión por lo abstracto y lo filosófico en la temática de su obra, mientras que artísticamente suponía una vuelta de tuerca a los sonidos experimentales de sus dos previos trabajos. Podría decirse que "Medúlla" nace a partir de "Vespertine", y en este sentido, "The Music From Drawing Restraint 9" nace a partir de "Medúlla". Segunda banda sonora de la cantante, tras el musical neoclásico de "SelmaSongs", que en esta ocasión pone música a la película "Drawing Restraint 9", trabajo experimental y surrealista en la filmografía de su marido Matthew Barney, en el que se propone la muerte/reencarnación del ser humano a partir de una trama ambientada en un ballenero japonés.
"Drawing Restraint 9" es, sin lugar a dudas, el trabajo más árido y menos accesible de Bjork: su obsesión por lo abstracto y espiritual alcanza cotas imposibles, de auténtico delirio filosófico, a la par que musicalmente supone una obra difícil de escuchar y de variantes artísticas que a los pocos habituados se les harán agotadoras. El disco consta de un tono apagado, oscuro y muy experimental, acorde con la cinta de Barney en la que Bjork también actúa interpretando a la invitada occidental al ballenero. La casi total ausencia de canciones propiamente dichas no ayuda lo más mínimo a digerir la obra: estamos ante una obra casi íntegramente instrumental, un score propiamente dicho que puede decepcionar a los que esperen un álbum como "SelmaSongs" (sí constituido por canciones) pero que se adecua bien a la película. El disco se hace muy difícil de escuchar en una primera escucha, pero sin lugar a dudas es un disco a redescubrir: es entonces cuando se percibe su belleza y su gran sensibilidad, disco muy infravalorado en la discografía de Bjork.
La banda sonora encuentra notable inspiración en la música nipona y se estructura en dos variantes musicales, organizadas de forma que encontramos tres tercios de esquema 1-2-1. Las cuatro primeras pistas junto con las dos finales conformarían el primer grupo (temas de melodía de mayor riqueza instrumental, inspirados en el sonido de "Vespertine" y que influirían en el gameleste de su posterior "Biophilia"), mientras que las pistas 5 a 9 conforman el segundo (de mayor profundidad y mayor complejidad y estructura musical). Destacan el uso del coro infantil en "Gratitude", interpretado por Will Oldham, el lírico "Ambergris March", versión instrumental de "Cetacea" (al que se incoropora la voz de Bjork en el que es el mejor track del disco) y la notable "Antarctic Return". Del segundo grupo, destaca el largo "Hunter Vessel", cuya melodía se recuperó para un tema de "Volta", mientras que el interminable "Holographic Entrypoint" acaba por ser el peor tema de la discografía de Bjork.
Es un disco difícil, pero a redescubrir con paciencia y en el que el delirio experimental de Bjork alcanza sus mayores cotas imaginables.
Comentario de simbad_7th_voyage - domingo 6 de noviembre de 2011
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